Фамилия великого Мстислава Ростроповича не содержит ни одной гласной "а". Журналисту Александру Москальцу следовало бы это знать!

Albert писал(а):Фамилия великого Мстислава Ростроповича не содержит ни одной гласной "а". Журналисту Александру Москальцу следовало бы это знать!

Опечатку или ошибку в статье исправил (Растропович -> Ростропович).

Публікація: ForesteR | Переклад: Leo

Інтерв'ю з Сергієм Пілютіковим, художнім керівником ансамблю Рикошет



- Сергій, зізнайтеся чесно, чи завжди публіці потрібні ті надскладні звукові конструкції, які їй пропонують сучасні академічні композитори?

- Ця проблема існує давно. Вона до цієї порі не вирішена і навряд чи колись вирішиться. Чи потрібно, щоб композитор перетворювався в «офіціанта» і подавав слухачу тільки те, чого він хоче? Кожен композитор здійснює свій шлях і несе аудиторії результати своїх пошуків. Потім, вже наступне питання - чи потрібно це слухачам чи ні? Але, запевняю вас, наша академічна «тусовка» не намагається писати тільки для підготовленої публіки, бо музика повинна бути розрахована на широке коло. Тим не менш, зараз сфера існування академічної музики звужується. У чому причина? Можливо в тому, що композитори забули про справжню, чуттєво-емоційну природу музики і перетворюють її на дослідження, наближають до науки. Але якщо музика перетворюється в науку, це насторожує. У самих дослідженнях, звичайно, немає нічого поганого, але ми не завжди знаємо, чи цікаво це публіці? Можливо, стіну нерозуміння можна пробити, залучаючи сучасні інструменти, виконуючи музику на площах і вокзалах. Але початкової і найнадійнішою точкою опори має бути почуття. Емоції в поєднанні з інтелектом, як правило, завжди знаходять відгук у слухача. Елементи відторгнення академічної музики були завжди, але ось цікаве спостереження: я як викладач бачу, що діти ставляться до неї набагато терпиміше, ніж дорослі. Тому, мабуть, що вони не зашорені музичними штампами. І ще - в провінційних містах на наші концерти приходить більша кількість публіки, ніж у столиці. Та й сама музика сприймається жвавіше, з великим ентузіазмом.

- Що для вас найприємніше - виконувати свою музику, слухати її чи створювати?

- Скажу чесно, в мене це було пов'язано з різними віковими етапами. Коли був молодший, більше подобалося бути виконавцем. Ловити реакцію слухача, обмінюватися енергією, відчувати миттєвий відгук і затребуваність. З віком мене більше цікавлять дві інші іпостасі. Виконавство - короткочасний акт. Коли закінчується концерт, «король сходить зі сцени» і перетворюється на звичайну людину. Знаменитий скрипаль може прийти в холодну готель, поставити чайник і відчути себе абсолютно непотрібним. Зате створення музики - стан більш «живе», воно триває довше. У тиші ти ловиш думки, які до тебе приходять, це дуже захоплююче заняття ...

- Родичі Бетховена благали його писати більше опер, так як в ті часи це обіцяло чималий прибуток. Сьогодні опера перетворилася на солідну індустрію. Але чому створення нових опер стало майже безнадійним заняттям?

- В оперних театрах, безсумнівно, є світлі голови, але змінилися часи. За життя Верді оперний спектакль був єдино можливим засобом масового залучення до мистецтва і єдиним можливим способом реалізації оперного твору. Іншими словами, оперу не можна було скачати в Інтернеті або купити на DVD. Щоб послухати її, потрібно було неодмінно відправитися в театр. Але сучасний оперний театр - досить серйозна організація, у якій зайнято багато служб - хор, балет і тд. Всім потрібно платити гроші за роботу, і тому ніхто не хоче йти на ризик. А ризик - це ставити сучасні опери без жодної гарантії отримати прибуток. З іншого боку, і композитору легше жити, якщо він не береться до великомасштабний проект, не маючи гарантії його кінцевого втілення. Тому композитори зараз намагаються писати маленькі опери, в яких бере участь 4-5 співаків, і які можна виконати в будь-якому концертному залі. У моєму розумінні, повернення до опери в класичному розумінні цього жанру, бути не може. Адже коли Верді писав нову оперу, це ставало світовою подією, яке обговорювалося в усіх кулуарах і вітальнях, а панночки співали його арії в салонах. Опера має майбутнє тільки в синтетичному жанрі, з залученням всіх новомодних інструментів, відео, спецефектів та інших заходів, відповідально сьогоднішньої епохи. Та й то, за нинішньої глобалізації, значимість самого масштабного музичного події не зможе мати того всепоглинаючого впливу, який мала за часів Верді.

- Багато «класичних» музикантів зі світовим ім'ям були геніальними «самопіарщікамі» - наприклад, Ростропович, Горовіц. А багато композиторів могли блискавично написати що-небудь на злобу дня. Що це - гріх чи компроміс?

- Погодьтеся, що сам принцип попадання в точку непоганий. Значить, композитор має чуття, відчуває незримі вібрації часу і відгукується на них своєю творчістю. Добре, якщо кон'юнктурність присмачена геніальністю. Звернемося до одного прикладу - пісні часів війни. Такі дивовижні пісні ніколи більше не створювалися. Це не можна назвати просто піаром, це був душевний відгук. І потім - трохи композиторам досить того, що вони вчинили акт написання, щось знали, і на цьому поставили крапку. У більшості музика повинна вилитися, як хмара дощем, їм важливо показати її людям. Психологічно це можна пояснити - якщо людина не отримує енергії від інших, він відчуває себе нещасливим. Це проходить з віком. Після 50-60 ми все-таки відриваємося від соціуму, йдемо у свій світ. А взагалі то, кожен артист хоче подобатися, від цього нікуди не дінешся ...

- Знаю, що деякі композитори намагаються методично слухати багато чужої музики - це допомагає їм продукувати ідеї. Не далеко чи тут до плагіату?

- Родіон Щедрін колись сказав прямо: «Усі ми вийшли з Антона Веберна». А комусь із великих належить інше висловлювання: «Талановиті навчаються і наслідують, а геніальні - просто беруть чуже». Я вже 27 років викладаю - і маленьким дітям, і дорослим. Ми, ясна річ, вчимося на перевірених часом зразках. Виходить, що при навчанні неминуче закладаються звукові шаблони. Це відбувається у всіх жанрах - і в естрадній музиці, і в академічній, і в року. Тут дуже важливі «правильні» зразки для навчання. Наприклад, неможливо навчитися у композиторів, що володіють специфічною, індивідуальною мовою. Таким унікальним є творчість Арво Пярта. Можна просто копіювати творчу манеру Пярта, його мову, не більше того. Але не варто забувати - копія завжди поступається оригіналу. Я вважаю, що вчитися треба на основних прикладах «стратегічної» композиторської школи - Бах, Моцарт, Бетховен і тд. Ранні твори, навіть у великих, завжди повні наслідування, цього не варто боятися. Але якщо людина на цьому і зупиниться, тоді це справжня трагедія. А нормальний процес полягає в тому, що в подальшому - свідомо чи інтуїтивно - людина починає ламати стереотипи, додається все більше власного «я», і ... народжується індивідуальність. У естрадній музиці особливо важлива мелодійна індивідуальність композитора. Але на основі традиційних гармоній вкрай складно створити запам'ятовується мелодію. Кажуть, Ігор Корнелюк свій перший шлягер «Квиток на балет» складав три місяці і потім говорив, що йому було б легше написати симфонію. Але також складно створити мелодійний шлягер в академічній музиці. Наприклад, у Огінського він усього один.

- Що можна сказати про сьогоднішню «котируванні» українських композиторів на західному ринку?

- У порівнянні з 1990-ми роками, цей інтерес в значній мірі ослабів. Не будемо забувати, що за кордоном музика - це теж комерція. Коли розвалився Союз, там був загальний інтерес до нашої музики і нашестя композиторів усіх колишніх республік. Але за кордоном величезну кількість своїх композиторів, абсолютно непробивних кланів, виконавців, величезна конкуренція. Багато українських композиторів, навчившись в наших консерваторіях, пропонують на Заході продукт, якого там і без них достатньо. Яскравих індивідуальностей у нас, як і скрізь, одиниці. Є деяка кількість авторів, яких виконують на західних фестивалях, але їх небагато.

- Що радує вас як автора в цьому концертному сезоні? І взагалі, як вам здається, чи достатньо часто вас виконують?

- На щастя, як композитор я досить затребуваний в Україні. У мене регулярно виконуються твори на всіх наших фестивалях - «Два дні і дві ночі», «Контрасти», «Прем'єри сезону», «Київ-музик-фест». На всіх найближчих фестивалях - і навесні, і пізніше - буде звучати моя музика. На першому з названих фестивалів мою п'єсу «Зигзаги» для ударних та рояля будуть виконувати японська ударниця і українська піаністка. На «Прем'єри сезону» прозвучить п'єса для камерного ансамблю. Потім настане черга електронної музики. Цей процес не зупиняється. Нещодавно, у третьому концерті циклу Романа Кофмана, присвяченому українському авангарду, звучала моя п'єса для струнного оркестру. Це було чудове виконання!

Олександр МОСКАЛЕЦЬ